刘伟：瓷上山水色，笔下意蕴生

　　天津美术网讯 “四面青山三面水，一城瓷器半城窑”，瓷都景德镇的窑火已熊熊燃烧千年。

　　史书记载“新平冶陶，始于汉世”，至宋元时期，景德镇以其成熟的制作技术和烧造工艺，逐步奠定了全国陶瓷烧造中心的地位。

　　明清两朝时，官府尤重景德镇，极尽人力物力，景德镇陶瓷达到巅峰之态。景德镇四大名瓷——玲珑瓷、青花瓷、颜色釉瓷、粉彩瓷，便在那时奠定了他们的历史地位，并以其顶级和繁复多样的工艺，丰富了中国瓷器的腰线。

　　《万山红遍》

　　官窑的投入极大地促进了景德镇陶瓷烧造技艺的繁盛，繁琐的规矩制度却也成为了瓷器美学发展的桎梏。直至民国，开放的社会环境促使“瓷上文人画”形式的诞生发展，为景德镇陶瓷艺术带来了新的发展契机。

　　其中最具代表性的为“珠山八友”，以诗书画印入画绘瓷，文学素养和艺术水准兼具，“珠山八友”也成了那个时期瓷器的代名词，并作为呈上启下，为景德镇陶瓷发展启了新的开端——个性化装饰。

　　“珠山八友”之一的刘雨岑先生尤擅花鸟画，他的儿子刘平（中国陶瓷艺术大师），传承了朱山八友的美学遗风，并致力于将艺术的个性化和对美学的追求传承给他的弟子们——中国工艺美术大师刘伟，便是其中出类拔萃的一人。

　　彩如琉璃

　　上千年的景德镇陶瓷艺术，集中国陶瓷之大成，演变出了丰富多样的陶瓷技法。

　　玲珑瓷，素瓷甚薄，雕花纹理映透出影青镂花；青花瓷，白釉青花一火成，幽静典雅，青翠欲滴；颜色釉丰富的色彩是以金属氧化物为着色剂，在一定温度与气温中反应呈现。而粉彩瓷色彩淡雅，涂上颜料后用笔洗开，由于砷的乳蚀作用颜色产生粉化效果，是康、雍、乾三代重要的御用瓷器。

　　刘伟的作品兼具颜色釉的感染力和粉彩的雅致，在多种技法的基础上，刘伟又研发了“琉璃彩”的陶瓷装饰技法。

　　琉璃彩属于釉中彩，不同于普通粉彩750至800度的烧成温度，琉璃彩技艺将烧制温度提高到1100度。

　　无论是白釉还是彩绘部分，刘伟全部采用超高温进行烧制。更高的熔点使得“玻璃相”透明度极高，因此瓷器更透明莹亮，仿若琉璃般透气。而在仿若琉璃的透明釉质下图案的色彩显色度极高。

　　超高温烧制的另有一益处，便是可以帮助釉色中“铅”等物质溶解，因此琉璃彩陶瓷不存在传统粉彩保存不好易出现的“泛铅”现象，可以永久地保留原色。

　　能工巧匠千百年来不断积累下来的陶瓷艺术，又在更多的有志匠人手中不断发扬。

　　“琉璃彩”的名字令人自然联想到灵动的琉璃。上千度烧制而成的琉璃，高温的火焰赋予了琉它生命的律动。人们爱琉璃是爱它的呼吸感，爱它的流动感，更爱它的生命感。

　　而同样在高温下诞生的琉璃彩陶瓷，以它的玲珑剔透赋予了陶瓷灵动之魂，绽放出呼吸之美。

　　刘伟的琉璃彩作品《金葵花》，高饱和度的橘色在薄薄的透明釉之下，恣意地绽放着。这样浓烈的颜色，这样盛放的热情，皆因“琉璃彩”的技艺得以完美呈现。

　　山水造境，造山水之境

　　“被称为最富诗意的造型师”的保罗·克利曾说“一位真正的艺术家应该是一位诗人”，而诗人最擅长的便是造梦。

　　与传统的山水画注重景物描型不同，刘伟的山水画致力于造境，造山水之境，更是造自然的梦境。

　　长江两岸的绝壁、轻舟竹桥后的渔火、鄱阳湖水的浩淼、微风吹拂花树的嫣然。他的山水画不写实却有空间感，细节繁复却盈满诗意，春夏秋冬的四时之景，百鸟穿林之境，作品仿佛画境一般，在空灵曼妙之中，自然的和谐之态尽显。

　　刘伟擅长以一种梦幻的方式展现出一幅全景画卷，仿若《聊斋》中的那幅画壁般，是让人神往的画中仙境。

　　南齐的美术家谢赫提出了“六法”美学评判标准，到了今天这套标准仍具有时代意义。而“六法”之首便是“气韵生动”，由此可见“神”是一幅画的精髓。

　　刘伟的作品虽笔法“写意”，但内在气韵却非常“写实”。

　　他的作品《攀峰》纵笔挥洒，墨彩飞扬，山峰如流水般晕染开来，浑然高耸，近处一座险峰之上，红色的观景亭居于画面中心，两个小人在促膝而谈，寥寥几笔勾勒出的遍布山林的松树，写意的画法却让人一眼便品出青松的遒劲傲然。

　　而刘伟最具特色的是“堆白”这种装饰手法。他选择有遮盖力的釉料进行绘制，无论是秋花还是冬雪都有体积感、有空间感。

　　如陶瓷镶器《瑞雪丰年》中，画面上纷飞的白雪好似“浮出画面”，映衬出了天地的广阔，而漫天大雪下的村庄，又格外静谧，也格外烂漫，以实衬虚，实在妙哉。这种空间的装饰手法是刘伟最具代表的个人特色之一，更是刘伟充满诗意的文人雅趣的最佳体现。

　　瓷倚匠艺，墨靠笔韵。刘伟用一幅幅风格独具的画作，为人们营造了一个时而繁华热闹，时而孤寂清冷的意向世界。

　　如果说琉璃彩是他在工艺上的革新，他的山水画则是他在艺术上的革命。刘伟开创了中国画与写意画融合，诗性与哲学性并行的新纪元。

　　火铸史诗

　　近年来，将陶瓷作为艺术的呈现载体，成为中国艺术界大力推崇的形式。

　　不同于在纸张上作画，陶瓷除了表现力丰富，更具有不腐朽不褪色永久保存的特征。

　　而已然成为中国与世界对话的景德镇陶瓷，独具的中国韵味，赋予陶瓷其他载体无可替代的民族烙印。从民国时开启的“瓷上文人画”这一艺术形式，在当代更富学识修养和民族责任感的艺术家手下，焕发了时代的新生机。

　　一个偶然的契机，刘伟接到了一个“火铸史诗”的课题——将中国各地的民居在陶瓷上画下来。

　　把逐渐同化和消失的中国特色民居们，在陶瓷这个千年不朽的载体上创作并流传下去，着实意义非凡。强烈的使命感令刘伟深感责任重大，他将安徽的徽宅、南方的吊脚楼、客家的房子、苗寨的屋子、新疆喀什的村落……考察了个遍，同时查阅典籍并与中国民居研究学者进行交流学习。

　　在考察学习的过程中，刘伟逐渐体会到了，不同的民居形态与当地的历史文化、气候、生活习俗是分不开的。而承载在这些传统建筑上的大量地缘特征和文化记忆，是中华民族决不能丢失的宝贵财富。

　　例如，土家人住在西南地区低洼盆地丘陵，因此日常民居需要注意排水通风，同时地处山林需要防野兽蛇虫，土家族的特色建筑——吊脚楼多为两层，中间用木头隔开，楼下放牲口，楼上住人，正好适应了他们的地域特点和生活需求。

　　刘伟创作了多幅吊脚楼的民居，融入当地特色的繁茂的山花，朦胧的山色，船只往来的河流和赶鸭放牛的孩童，他将吊脚楼建筑与当地特色习俗环境融入一幅画中，创作出了专属于西南文化的民俗风光作品。

　　在各具风情的民居被钢筋混凝土的现代建筑毫不留情抹去的今天，我们已经很难像过去那样，通过观察一个地方的建筑物，判断出它所处的地理和文化区域。

　　中国源远流长的人文景观留存下的记忆，承载在陶瓷这个不朽不褪色的材质上流传下去，意义非凡，而刘伟战战兢兢，终不负使命。

　　而后，刘伟将目光投向了中国世界自然遗产，黄山、九寨沟、山西平遥等三十余处珍贵的天然胜地，成为刘伟创作的新题材方向。四十余年的生活跋涉与艺术之旅，刘伟在中国大地上处处留下了足迹，而他的笔也染尽了祖国山川的万种风情。

　　这种古今的盛怀，何尝不是匠人薪火相传的信仰呢？