[吕少英]：我个人的性格是很豪放的，我的同学和了解我的人都知道，生活中的我是一个大大咧咧的人，也常常丢三落四，性格很粗放，不属于那种很细致的。我画花鸟画，最初的方向其实就是写意，包括我的研究生导师李春霞老师和韩昌力老师也是画写意的。我刚上研究生时，导师就给我们规定了课题，专门临摹和研究古代名家的写意花鸟，于是我就从临摹吴昌硕、齐白石、扬州八怪的写意花鸟画入手，但是画了很长一段时间之后，我发现自己收效甚微。随着知识的积累，我对绘画的认识也渐渐提高了，体悟也越来越多，尤其在跟着陈玉圃先生、杜滋龄先生学习的过程中，我反复体会他们的艺术，渐渐认识到写意画的一些规律：中国画画到最后，画的就是画家自我的本真，所谓“画如其人”，绘画实际上表达的是画家内在的精神气质，一个看不见的自我，而不是一个表象的自我。我当时感觉自己太年轻，对艺术和生活缺乏深刻的感悟，胸中的涵养也不够强大，如果这样来画写意画，就难以支撑起画面的精神空间。工笔画，它是一个渐进式的过程，通过一层层、一遍遍的渲染，慢慢地把自我展现出来，甚至可以展现一个理想化的完善自我。我感觉工笔画的渐修过程更加适合锤炼我的心性、发挥我的能力，于是我就沉下心来研究工笔画的创作。对于一个对绘画认识不深的人来说，画工笔画也是一个很好的开端，在创作过程中，工笔画更能够让一颗浮躁的心，慢慢地沉静下来。就我的理解而言，画画首先要心静，只有在沉静当中，思想才会开花，思绪才会飘扬，安静当中的放逸才是产生有内涵有分量的艺术美的沃土，否则，心浮气躁，汲汲于功名，呈现在画面的就只能是一团躁动的浊气，不会创造出高雅的艺术来。

聆听王学仲先生教诲

在国家画院陈玉圃先生展览上

[天津美术网]：您的画中总是带给人朦胧、凄迷和模糊的美感，这是您刻意去追求的味道么？

[吕少英]：不是刻意的，应该说这种风格的形成是一个自然而然的过程。我画工笔画，最初是从宋画入手的，我曾经有一段时间对宋人的小品花鸟画很痴迷，于是就规定自己一个星期临一幅，到后来，不断地提高要求，有时候就半个月才临一幅。在临摹过程中，我一开始追求完全的相似相仿，并以能达到乱真为目的，到最后，对于形似就看淡了，更多追求一种情趣、一种格调，抱着期望实现一种新的表现风格的愿望来“意临”。在这个过程中，我一共临摹了30多幅宋人小品花鸟画，更深刻地体会到了宋画中“尽精微，致广大”的艺术精神。在中国传统花鸟画中，宋画是一个高峰，也是所有学习者无法回避的重要历史时期，对宋画的揣摩临写，是每一个学花鸟画的人，都不能逾越的学习阶段。宋画的技法很全面，是传统绘画技巧的集大成者，如罩染法、平染法、分染法、撞色撞粉法等，都在宋画上得到了广泛使用。传统的古画，特别是宋画，相比元明清的绘画，更多一份天真和纯朴，在画面意境的营造上，宋画也开创了中国花鸟画的独特审美样式：画幅不大，画面安静而精致、自然而瑾雅，展现的天地很宽广，表达的意趣无限悠长。宋人追求逼真、精微而雅致的艺术，树上小小的一个折枝，画家以写实的笔法勾画出来，表现得惟妙惟肖，这既不同于西方的超写实绘画，也不是照片艺术，更不同于波斯的细密画，但它又是写实的，在写实的背后有一种静穆的意境美在支撑着整个画面，使画面一下子就高大起来，空间也由此拓宽了。

吕少英作品：《茗香之夏》

吕少英作品：《怒放》

吕少英作品：《暖秋》

[天津美术网]：它是宋代特有的风格吧？

[吕少英]：也不是，只是这种审美特征在宋代花鸟画上体现得格外强烈些。在欣赏宋画的时候，观者能感受到宋画的逼真感，它是非常和谐、非常自然的。在这种自然里，透露出一种对自然的崇拜和敬畏，是一种不由自主跟自然紧密贴合在一起的心境，这种感觉不是刻意追求的“天人合一”，它本来就是自然而然的，本性就是自然的，无需去苛求也无需掩饰。刚才说到的这种朦胧、凄迷和模糊的美感，在宋画中也是存在的，它们就存在于逼真写实的画面后的一个空间里，我们看李嵩的《花篮图》，它的画面画得非常具体，但是背景很空旷，营造了一种很大的空间，给人无限的遐想，让人感觉到画面需要表达的内容非常之多，多到无法叙述，只能以点带面来提示观者去想象，细细品起来是很凄迷的。再比如《凤蝶图》，画面也非常小，也就画了一两枝花，但是却能让人感受到风很强很大，天空似乎很大，而且这个天空不是做作出来的，而是很自然的，就是单纯的留白。还有《碧桃图》的桃花渲染得很白，但又不板，从近处看，白色的桃花非常地细致娇嫩，从远处看，又能感受到所有的白花是一个整体，它们有虚有实，有主有次。在背景的烘托下，又有一种朦胧的美映衬在清晰的花朵后面。宋画的这种跟自然契合的朦胧美，实际上就是我在绘画中一直寻找的东西，我不断地使自己静下心来，就是要去触摸到那种自然而然的心性。

吕少英作品：《青云案》