　　八十年之中，艺术家徐匡20年学画成长,后六十年辛勤创作，为我国20世纪的美术史留下了一大批经典作品。作为20世纪的中国美术大家的个展，主办方将梳理出 “求学时光”，“刻画人生(版画经历)”，“独版画”三大板块，从艺术家徐匡最新创作出百余幅独版画精选出40余幅独版画展出，届时与观众见面。主办方以此记录、传播与研究徐匡先生的艺术，激励新一代的版画青年不忘初心，砥砺前行。

　　艺术家徐匡

　　徐匡作为中国现当代版画的领军人物，他的现实主义创作风格引领了新中国美术的木刻版版画。他出生于1938年战火纷纷的年代，经历了新政权的更替，在新中国成立后成长为一位出色的版画家，肩负时代的使命，创作了一批反映社会现实题材的作品。

　　艺术家徐匡与夫人阿鸽

　　在长达近60多年的艺术生涯当中，他的题材、造型语言、风格的探索都呈现显着阶段性，但是贯穿期间是他所追求现实主义艺术的不懈努力。数十年如一日，表现着藏族人民生活的题材。古稀之年，他不断尝试新的艺术语言——独版画，以原版木刻与素描为综合材料的创作方式。

　　徐匡小学照片

　　一、艺术求学时光

　　徐匡从小在母亲的耳濡目染下接触绘画，早年就读于陶行知创办的上海行知艺术学校，系主任为版画家王琦。1954年徐匡考上中央美院附中。附中首任校长丁井文随中国美术教育考察团访问苏联，考察学习了莫斯科美术学校、列宁格勒美术学校等美术学校的教学经验。

　　少年徐匡水彩自画像

　　因而徐匡在这里得以接受严格的苏联美术学院的严格训练，扎实的素描基础，也为日后现实主义题材创作打下了坚实基础。附中毕业后他到四川美协去体验生活，成为《重庆画报》的一名编辑，在老领导版画家李少言的鞭策和鼓励下创作了《待渡》《海员》《嘉陵江畔》《红岩》插图等作品。

　　1959 年，人民日报刊登

　　早年他的绘画风格还不确定，吸收了老一辈版画家注重形式感和抽象感，黑白分明的艺术特点，以及德国版画家珂勒惠支的绘画语言特点。60年代为了探索形式美，他将汉砖拓片的形式融入创作中，创作了一批富有浪漫主义色彩，如《彝族女孩》《小山花》《秋收》《果园姐妹》。

　　乡村小学 43cm×57cm 1964 年版画

　　而此后在乡村体验生活创作的《乡村小学》则是充满质朴情感。70年初除了具有文革色彩的《不许奴隶制复辟》，大多绘制美好的自然与人性。

　　二、刻画人生：艺术进入藏族人民生活

　　1974年，徐匡开始到藏区深入生活。第一次是到四川阿坝若尔盖的军马场生活了2个多月，回来便创作《草地诗篇》，创作形象明显具有那个时代的特殊审美，刻画人物及环境比较细致。1975年，他又随阿鸽等五位画家一起深入西藏腹地9个月，回来后就创作了大量与西藏有关的作品，并一直影响到他40多年来的创作题材。

　　1985 年和李焕民达瓦等在阿坝州若尔盖草原深入生活

　　作为新中国版画家群体当中的四川版画家，一直在建国以后的版画创作当中异军突起，风骚独领，他们创作出过一大批影响深远、具有时代代表性版画作品。特别是新时期的1980年中国版画协会成立以后，在常务理事当中的四川版画家，以李少言、牛文、李焕民、酆中铁、徐匡为代表，在这个代季之间徐匡显然是中青年一代的优秀代表与承继人物之一。

　　主人(与阿鸽合作) 70cm×70cm 1978 年版

　　在这样一个具有鲜明代季关系的创作群体的创作环境当中，徐匡先生的作品吸收和借鉴了前辈的创作，譬如李少言的强烈的表现力量、牛文先生的作品的抒情感与构图巧思，吴凡先生的由生活细节生发的清新内容，在徐匡先生身上都有或明或隐的体现。这一时期的作品画面留白很多，以白色的背景衬托画面的主题人物形象，以强烈对比衬托草原青年的强壮、藏族少女的质朴、藏族儿童的天真、草原动物的原始等特点。

　　徐匡与阿鸽在西藏采风

　　如与阿鸽合作的《主人》是具有少数民族题材里程碑的作品，此外《新路》《小骑手》《牧场上的小学生》《两个小演员》《希望》《高原的阳光》《洁白的哈达》反映真实藏民的美好生活。这一时期还穿插其他风格的作品，如水墨画意味的套色版画如《花裙》、拓印风《珠峰的女儿》，以及具有中国传统木板画线刻为语言创作的《大渡河畔》《阿噶家的羊群》。

　　这一时期的徐匡信奉传统艺术原则，表现世界与自然的美好和希望，与其早年受苏联版画的影响有关。苏联画家作品大多体现来源生活又高于生活的艺术理想。苏联画家讲究扎实的造型基本功，强调对生活的观察体会，并从中加以提炼。徐匡重视构图的灵活性，善于利用刀与木头的质感特点组织刻画人物在事件中的形态变化，作品当中洋溢着一种磅礴的浪漫主义精神，将抒情和宏大历史背景相互融合。

　　三、转变期：创作新的艺术语言“独版画”

　　90年代以后周思聪、詹建俊到四川写生看了徐匡的版画，梨木板可以更好的体现徐匡刻制的丰富性。他们认为徐匡的技术已炉火纯青达，到达艺术极致，木版原版就可以成为一幅绘画，建议他留下一些刻板不再印制。

　　艺术家徐匡在四川美协化龙桥工作室创作《花朵》

　　徐匡希望有所突破，渐渐放下木刻刀，转而对油画产生了浓烈的兴趣。此段时间的油画体验的沉淀为其2010年以后独版画的创作打下了基础。他大量去学习西方经典油画拉斐尔、米勒、维米尔、梵高等艺术大师的作品。

　　花朵 90cm×45cm 1988 年

　　虽然这段时间版画作品不多，但是他也没有停止操刀，如原版画《花朵》《老阿妈》《守望》《高原雄鹰》《背柴的女青年》。从素描稿直接起刀入手，光影、明暗、质感、触感，一挥而就。木版的原木色、特殊纹理以及起稿所绘制的素描相配合正可谓一种艺术形式。2004年他应四川美协要求所绘制《奶奶》是其转变期的又一个高峰。随后他又创作了《走过草地》《扎西和他的羊》《家园》《山寨依然美丽》等一系列作品，对于环境的处理刻画可谓精细入微。

　　红衣少女 100cm×150cm 2000 年

　　2009年至2011年3年时间，分别在北京、上海的三次个展亮相展出了艺术家徐匡的系列未印制的版画原版，并得到社会各界人士的认可。激发他在此后的创作，便直接以木版为创作对象，不再受印制成品画的拖累。也不会受木版画原稿需要镜像描绘在木板上的各种技术限制。

　　艺术家徐匡与独版画作品

　　雅昌艺术网：请您谈谈您创作这批独版画的缘起、初衷是什么?

　　徐匡：在八十年代、九十年代，我创作的版画最早主要还都是刻了都要印出来的。记得当时刻了一个《守望》那件作品，詹建俊、周思聪等一些北京的同行们到我的工作室来参观。看了刻好没印的原版，他们都觉得特别好，说别印了，特别丰富，当时是梨木板，很好看。后来我就慢慢留了一些没印的，也觉得在板子上效果很丰富。

　　艺术家徐匡与夫人阿鸽

　　阿鸽：他有些作品出来以后，我是第一个看的，很激动的。包括刻这幅大头像。素描画好以后，我说不能刻，刻出来就没有了素描的效果。结果他坚持刻，刻出《斯朗卓嘎》来比素描效果更好。

　　喜马拉雅 120cm×180cm 2000 年

　　雅昌艺术网：八九十年代您也留了一小部分?

　　徐匡：一般是不大的小件，很少。原因就是当时你刻这个干吗?要让你交创作，参加版画展览。环境时间不对，真正搞这个独版画是2000年。尤其是吴长江搞“灵感高原“展览，那时候已经开始了，还有王明明在展览会上认识我，进一步肯定了我，在北京画院美术馆也做了展览。在这之前两年我就集中搞了几十块。

　　雅昌艺术网：那是2009年之后，您这个转折有没有更具体的契机原因。

　　徐匡：因为2010年左右，我就不大参加全国美展了。因为评奖的时候评委不给你奖又不好，不评吧，又觉得我的水平在这里，所以弄得我很恼火。那个以后，就觉得这个形式，不参加展览就可以搞创作，创作就放开了。从那个以后，我就开始比较集中时间搞这个独版画了。时间大概就是在在中国美术馆 “灵感高原”的展览以后。

　　山寨依然美丽 150cm×100cm 2009 年

　　雅昌艺术网：现在积累了近百幅作品，应该说独版画创作其实有意无意之中形成了您的第三个创作高峰。北京展览以后，大家就觉得很震撼。

　　阿鸽：09年他刻的《山寨依然美丽》，当时还没有想做独板，08年地震，09年搞一周年纪念，当时就做灾后重建。他那个构图一出来我就说很好，一个藏族妇女从楼顶上往下走的形象，我说这个点子选的好。结果刻出来以后就不想印了，觉得很丰富，结果这一件就留下了的。

　　牧归 120cm×180cm 2008 年

　　《格桑和她的朋友》、《牧归》是在都江堰工作室做的。他不光是做一件，同时做好几件，轮换着每天弄一块。当时也没有觉得怎么样，他画过一张油画的《牧归》，效果还是比较好。后来他就刻在板子上，他平时都是平放着的，有一天他一立板子起来，我就觉得好丰富，他前前后后刻了一年，很费劲的。所以2000年以后，特别是在北京一展览以后，大家就觉得很震撼。

　　格桑和他的朋友 120cm×180cm 2008 年

　　雅昌艺术网：您一般创作的时候,直接用写生稿的情况多吗?

　　徐匡：从写生当中搞创作，我比较少。生活里哪有摆好的形象，完全靠你的感觉。上车、下车、过路，坐码头的时候,先有一种感觉，然后慢慢再琢磨形象。《斯朗卓嘎》，这个女孩很平常，很普通、很普通的一个人。我有次写生到了雅江以后，来了七八个女的，吴长江说你来选，我就选了这个当模特。我觉她很有味道，就拍了很多照片。最后呢，这个人和原形有一点点微妙变化，那就看你的修养和表现力了。

　　斯朗卓嘎 100cm×150cm 2010 年

　　雅昌艺术网：人物的表情跟背景揉在一块儿，她的表情您也做了变化。

　　徐匡：我一般不要求摆，一摆就僵了，都是他在生活中我悄悄地观察，让她尽可能的自然。

　　远方来客 100cm×150cm 2009 年

　　雅昌艺术网：都说艺术源于生活，版画创作比搞中国画的更注重生活中的原形，您得到的艺术灵感到底是写生的原形还是您心里的形象?

　　徐匡：我是这样的，首先感觉这个情节和人物都有一点。比如说《主人》，当时去拉萨、去西藏其它地区，还是比较贫穷的，那儿哪有像现在我们刻划出来《主人》的形象。但是当时就有这么一个现实藏民形象，但是那个形象不能放在画面上。现在回想起来，那时搞的“三突出”，也是符合那个时代的审美要求。我独立创作的《高原阳光》形象，现实生活里头都是很瘦弱，不是这么壮实的，就得回来加工。头发也跟我差不多的，稀稀的，这都是后来加的，包括他身上的肌肉。

　　远方来客(局部) 100cm×150cm 2009 年

　　雅昌艺术网：您看到他的第一眼激发了您什么感觉?

　　徐匡：我觉得这个动态或者这个藏族人动态的形象可以。

　　雅昌艺术网：然后再把不满意的地方逐渐去掉。

　　徐匡：对，加工或者是找到其他合适的。

　　珠穆朗玛 180cm×120cm 2012 年

　　雅昌艺术网：这就要说艺术源于生活，来源到底是什么，是一种感觉还是原始形象。

　　徐匡：我觉得首先是他的感觉还是不错，但是要真正成为一张理想的作品，整个形象还不行，衣服也不行，我就来加工。把我想象中的加进去，这是很明确的。

　　看赛马 93cm×38cm 2013 年

　　雅昌艺术网：您的创作模式跟六七十年代提倡的典型化有点相象，当时强调典型环境中的典型人物，您感觉他不能完美地表现您从他身上看到的某一点，就需要要把这个扩大、完善、修改处理。

　　徐匡：《草地诗篇》原形真是感动我，等我后来搞成这个样子以后，现在回想起来那时搞的“三突出”，也是符合那个时代的审美要求。

　　雅昌艺术网：所有的艺术，不管什么画种，大家普遍都说要追求“味道”。

　　徐匡：我感觉它很有味道，这个味道是有点抽象，但却是确实存在的，语言又表达不出来。

　　牧场 120cm×180cm 2013 年

　　雅昌艺术网：这个味道是不是当时您采风写生的时候第一眼看到的东西?

　　徐匡：这个感动里边有些是，有些是可以变成画的，有些则不行。或者感动你了，它太抽象了。我们是造型艺术，是视觉艺术，全部要通过视觉的。有些是戏曲舞台上通过一个过程来表现。

　　火把节•风雨无阻 120cm×180cm 2012 年

　　雅昌艺术网：这个味道是您写生采风的时候构思的结果，还是最后落实到材料层面，刻板子的技法的效果，您觉得技法是主要原因?

　　徐匡：技法绝对不是主要的，技法是为我弄成稿子，把我想象的做出来，真正到刻的时候是后期了，就靠你的经验了。最关键的是前面取材，最感动你的那部分，不能干扰它，必须以它为主，一切为了这个东西。所以后来我放弃了很多，我明确感觉到形式和内容最后标准是内容是第一。你说为了表现一下，不需要，首先是这个事情感动你，你为了这个让技巧为它服务。

　　回家 150cm×100cm 2017 年

　　雅昌艺术网：艺术家们都说深入生活、源于生活，落实到具体层面，您认为深入生活中拍照片、画写生，采集素材形象和感受气息、寻找感觉，哪个更重要一些。

　　徐匡：如果照相能够产生艺术品，那么千千万万的照相机不都是艺术家了么，不是这样啊，它仅仅是个工具。我现在所画的这些东西，不管是速写得来的，还是写生得来的，包括从照片得来的，殊途同归，都是从生活感受当中来的。我经历过、我看见过，它感动了我，这样才出来的。一味的写生，也有不少单靠写生就成为伟大艺术家的，历史上有很多，这要根据每个人的不同情况来决定。但是有个共同点，就是你在艺术上能够感动人，写生也好、不写生也好，最后都是要在展览会上见，用作品讲话。